Author Archives: webmaster

« L’art de la responsabilité suppose une autre fabrique de l’art »

PAR ÉRIC TARIANT · LE JOURNAL DES ARTS LE 18 OCTOBRE 2018

Travail dans et avec la nature, pratique du recyclage, interventions éphémères, créations collaboratives et poétiques… L’art écologique tente de changer les mentalités et de refonder un équilibre avec le vivant. Paul Ardenne s’exprime sur ce sujet auquel il vient de consacrer un ouvrage.

Historien de l’art contemporain, Paul Ardenne, né en 1956, enseigne à l’université de Picardie à Amiens ; il est aussi critique d’art, commissaire d’exposition indépendant et écrivain. Il est l’auteur de nombreux essais parmi lesquels Un art contextuel (éd. Flammarion, 2002), Terre habitée : humain et urbain à l’ère de la mondialisation (Archibooks, 2005). Il publie en ce mois d’octobre Un art écologique. Création plasticienne et anthropocène.

Les artistes sont-ils plus aptes à mobiliser les populations sur les problématiques écologiques que les scientifiques, qui peinent à se faire entendre ?

Tous les moyens contribuant à permettre une prise de conscience de la gravité de la crise écologique et à mettre l’homme du XXIe siècle face à ses responsabilités sont les bienvenus. Cela, que l’on appuie sur la fibre émotionnelle dans une perspective artistique ou que l’on informe les gens avec des analyses et des données chiffrées. On observe aujourd’hui que, si la prise de conscience est là, l’inscription dans l’action, de façon à réaliser des actes de préservation et de réparation de la nature et à rétablir les grands équilibres, se révèle beaucoup plus difficile.

Qu’est-ce que peut apporter l’artiste sur ces questions ? Et quelles sont, à vos yeux, les démarches artistiques les plus pertinentes dans le champ de l’art écologique ?

Les artistes sont des passeurs. Ils utilisent l’esthétique, la poésie pour convaincre, toucher les consciences et mobiliser. Ils mettent en avant des exemples, proposent des formes d’exemplarité. Les plus utiles et les plus nécessaires sont celles qui dépassent la seule question esthétique ; les formes qui ne se limitent pas à mettre en scène les problèmes écologiques, les tensions environnementales, voire les désastres, mais recourent à des formes d’intervention. Une action menée par un artiste réellement investi dans son propos environnemental me semble plus pertinente que la seule représentation d’un cataclysme dans des photographies, même si celle-ci peut aussi éveiller les consciences. Il faut faire très attention, à cet égard, à la fascination du désordre, à la « délicieuse horreur », pour reprendre l’oxymore d’Edmund Burke, ce singulier sentiment d’attraction mêlé d’effroi que nous éprouvons face à la puissance et aux déchaînements des éléments. De telles œuvres ont souvent un réel pouvoir de fascination, comme en témoigne le succès des images de Daniel Beltrá, ce photographe qui s’est spécialisé dans la saisie optique des catastrophes écologiques en produisant de belles images sidérantes qui satisfont les gens sans pousser pour autant le spectateur à aller plus loin. J’apprécie particulièrement l’« art de la responsabilité ». C’est une manière de faire de l’art qui est très nouvelle. Elle ne peut pas s’insérer dans les médiums conventionnels que sont les images, les sculptures ou les installations. Elle suppose une autre« fabrique » de l’art, un autre faire.

Auriez-vous des exemples précis ?

Lucy et Jorge Orta, par exemple, ont réalisé une œuvre exemplaire, qu’ils ont conçue collectivement, fidèles à leur objectif de co-création, avec l’aide de chercheurs, d’économistes, de designers, d’industriels et d’étudiants. Cette unité de purification de l’eau a été exposée et mise en service à la Biennale de Venise (2005), puis à Rotterdam, Shanghaï et Paris pour montrer qu’il est possible de purifier une eau impropre à la consommation et de la rendre potable, tout en abaissant son coût de distribution pour la rendre moins chère et plus accessible. Les Orta ont abandonné leurs droits d’auteur sur cette œuvre que l’on peut fabriquer à moindre coût et dupliquer.

Y a-t-il dans le travail de ces « éco-artistes » la volonté de concevoir de nouveaux récits, de susciter un nouvel imaginaire, plus respectueux des grands équilibres ?

Beaucoup d’artistes, surtout ceux de la génération des années 2000, sont des partisans, radicaux mais non violents, de la décroissance. Ils utilisent la nature sans l’abîmer. Ils mettent en avant des formes douces et éphémères. La plupart d’entre elles ne s’inscrivent plus dans une logique de production d’objets d’art. Ce sont très souvent des œuvres qui s’insèrent dans l’espace naturel et sont constituées à partir d’objets ou de végétaux ramassés. De telles œuvres échappent complètement au système productiviste. Je ne suis pas certain néanmoins qu’elles soient suffisamment fortes pour changer l’imaginaire. Je ne me fais pas d’illusion. Nous avons, comme je le montre dans l’introduction de mon livre, d’un côté du ring le monde tout-puissant de l’économie, dévorateur de ressources, et dans son sillage les perturbations écologiques de l’ère de l’anthropocène [ère géologique marquée par l’impact de l’action de l’Homme sur l’écosystème terrestre, NDLR]. De l’autre, l’art qui est affaire de poésie, de ressenti esthétique, un répertoire de formes plastiques et d’élaborations sensibles. Que peut l’art dans ce face-à-face ? Très peu de choses sur le plan de l’efficacité concrète. Car l’imaginaire collectif est difficile à faire évoluer à tous les niveaux. Cet « éco-art » est en général un art très modeste et très local. Comme il ne s’incarne pas dans des objets, il n’intéresse pas les médias. Il n’apparaît que très peu dans les expositions. Comme, en outre, les œuvres ne s’apprécient pas d’un point de vue financier, elles n’intéressent pas le marché de l’art. C’est un art qui demeure encore relativement isolé même si l’on trouve de plus en plus d’artistes recourant à ces pratiques. Il faut du temps pour que les formes d’expression novatrices soient comprises, assimilées et désirées.

Ces artistes écologiques ne sont-ils pas trop souvent dans le constat et la dénonciation ?

C’est en effet souvent le cas. Ils sont, comme d’autres acteurs, conscients de la gravité de la situation et de la difficulté de la faire évoluer. Il y a un écart énorme entre la parole et son inscription dans le réel. Derrière les grands discours écologiques du type« Make Our Planet Great Again » [initiative lancée par le président Macron en juin 2017, NDLR], on observe que tous les indicateurs ne cessent de se dégrader : les gaz à effet de serre continuent d’augmenter et les écosystèmes s’épuisent.

Quel est l’impact réel de ces œuvres ? Peuvent-elles conduire à des changements notables de pratiques et de comportements ?

L’historienne de l’art Bénédicte Ramade [collaboratrice de L’Œil] soulignait dans sa thèse consacrée aux prémices de l’éco-art américain, soutenue en 2013, que toute démarche artistique se voulant réellement écologique se devait d’obtenir des résultats concrets sur le terrain environnemental. Elle établit une corrélation entre les photographies des paysages majestueux de la vallée Yosemite prises aux États-Unis par Carleton Watkins et la création des parcs naturels. Elle a montré néanmoins que les éco-artistes, actifs dans les années 1960 et 1970 aux États-Unis, n’étaient pas parvenus à mobiliser les entreprises et le pouvoir financier. On observe cependant aujourd’hui, en Italie, en Allemagne ou au Japon par exemple, et dans bien d’autres pays, qu’un nombre croissant d’artistes réussit, çà et là, à créer des œuvres qui apportent des réponses à des problèmes écologiques : raréfaction de l’eau, érosion de la biodiversité, déforestation. C’est un combat universel qu’il faut mener partout, à l’échelle locale qui est celle de l’écologie.

Paul Ardenne

Advertisements

L’art contemporain du local au global

VIDEO FOREVER 37 *BLOODY FALL/S*

capture-d_ecc81cran-2018-09-10-acc80-22-57-22.png

Jeudi 27 Septembre 2018 – 19h

Université Paris Descartes – Musée d’Histoire la Medecine
85 Bd Saint-Germain, 75006 Paris
Réservation auprès de barbara.s.polla(a)gmail.com

Avec des vidéos de (entre autres) Alix Delmas, mounir fatmi, Ali Kazma, Sabine Massenet, Andrea Mastrovito, Karchi Perlmann, Yapci Ramos, Raymundo, Perttu Saska, Ornela Vorpsi, Marina Zurkow, et Art Orienté Objet (à confirmer)

Remerciements : Musée d’Histoire de la Médecine (Paris Descartes), Axel Kahn, Marie-Veronique Clin, Giulia Nardelli, Catinca Tabacaru Gallery, Bärtschi & Cie, Tuomo Manninen

Quand un médecin, HDR de l’Université Paris Descartes qui plus est (Barbara Polla) et un historien (Paul Ardenne, Université d’Amiens) présentent une séance de VIDEO FOEVER sur le thème du sang au Musée d’Histoire de la Médecine, un peu d’histoire s’impose. Un peu d’histoire du sang et plus particulièrement, de la transfusion sanguine. La montée de l’escalier vers le Musée d’Histoire de la Médecine ne nous convie-t-elle pas à admirer le tableau de Jules Adler, Transfusion de sang de chèvre, 1892 ?

C’est en 1630 que le scientifique anglais William Harvey montre que le sang circule dans le corps grâce aux artères et aux veines. L’idée d’injecter diverses substances dans les vaisseaux émerge alors rapidement et des scientifiques se mettent à injecter dans les veines des chiens diverses substances, de l’opium notamment, puis, en 1665, un médecin tente de transfuser le sang d’un chien à autre chien. Au même moment, en France, un médecin du roi, Jean-Baptiste Denis, injecte du sang d’agneau à Antoine Mauroy, un homme violent, pyromane et exhibitionniste, avec l’idée que le sang d’agneau pourrait adoucir les mœurs des hommes. Le patient présente une réaction aiguë majeure mais survit et va mieux…

En 1908, à New York, le français Alexis Carrel, venu travailler à l’institut Rockefeller, est sollicité pour soigner une petite fille à peine née qui saigne et se vide de son sang. Il faut la transfuser ! Et l’on connaissait les travaux de Carel sur la transfusion. Ces travaux portaient sur les sutures des vaisseaux sanguins et jusque-là il n’avait travaillé que sur des animaux. Arrivé près du bébé, il décide d’utiliser le sang du père ; la veine derrière le genou de l’enfant est coupée est « attachée » à une artère du poignet du père et quelques minutes plus tard la petite fille reprend des couleurs, ses lèvres redeviennent rouges… et en 1912, Alexis Carrel reçoit le Prix Nobel de médecine.

Pendant des années, les transfusions s’effectuent ainsi, de corps à corps, de bras à bras. Le 16 octobre 1914, à l’Hôpital de Biarritz, a lieu la toute première transfusion sanguine de la guerre : Isidore Colas, un Breton de Bannalec, lui-même en convalescence, sauve, par le don de son sang, le caporal Henri Legrain, apporté du front en état de choc hémorragique. Au cours des années suivantes, la transfusion sanguine se développe sur le terrain militaire et permet des retours à la vie qui évoquent souvent des miracles. Puis les techniques de conservation commencent à se développer, ainsi qu’en parallèle, les « centre de transfusion », le premier à l’Hôpital Saint-Antoine, à Paris, de même que les réseaux permettant le récolte des dons de sang. Ce ne sera pourtant qu’en 1952 que sera mise au point, aux États-Unis, la première poche à sang en matière plastique. La première vidéo montrée sera dédiée à cette innovation incroyable, qui permettra notamment à l’artiste Raymundo de recevoir onze poches de sang et de créer la deuxième vidéo.

L’idée de ce VIDEO FOREVER est venue cependant des œuvres d’Alix Delmas et de Yapci Ramos, toutes deux présentées au début de cette année, respectivement à Paris (après avoir été censurée à Nice) et à New York. La mer en sang et le sang de la femme. Les flux, marins et humains. Toute l’histoire du sang des femmes dans l’art est convoquée ici. Sangsuelle et politique. Sans oublier Drakula.

Mais BLOODY FALL/S ce sont aussi les chutes sanglantes, et encore, pour BLOODY FALL, l’été indien. Une saison qui n’existe qu’au Nord de l’Amérique. Notre saison, en ce 27 septembre 2018.

20180917_1209051.gif

Art in the Public Space, a Genealogy, a Reality

BEIRUT ART FAIR 2018
Conference and Roundtable Discussions
Thursday September 20, 2018

International Exhibition & Leisure Center in Beirut, Lebanon

4:30pm – 05:30pm: “Collectionner”

Moderator: Marine Bougaran, Cultural Development & Projects Manager BEIRUT ART FAIR
Panelists:
Joumana Asseily, Gallery owner “Marfa’ “, Lebanon, and Art collector
Florence Bourgeois, Fair director “Paris Photo”, France
Abraham Karabajakian, Art collector
Tarek Nahas, Curator of “Across Boundaries”, Art collector
(This talk will be held in French)

6pm – 7pm: “Art in the Public Space, a Genealogy, a Reality” by Paul Ardenne*, organized by Art in Motion

* Paul Ardenne (FR) is an art historian and a writer. He is the author of numerous books on contemporary creation, notably in relation to the topic of this conference: L’Art dans son moment politique (1999), Un Art contextuel (2002), Extrême – Esthétiques de la limite dépassée (2006) and Art, le présent (2009).

(This lecture will be held in English)

For more information, click here

INTERROGER LA LIBERTÉ DE CRÉATION ?

CONFERENCE / DEBAT
Samedi 15 septembre de 15H à 18H
128 rue de LaFayette – 75010 PARIS
L’objet de cette rencontre autour de Petr Pavlensky, actuellement incarcéré à Fleury-Mérogis pour son action artistique “Éclairage” (oct. 2017), est d’interroger la question de la liberté créative. Cette liberté est moins garantie que jamais, en France notamment, où l’on constate un double discours institutionnel. En paroles, la défense de la liberté et de la dignité des artistes. Dans les faits, une culture démagogique et ennemie du risque et de l’audace?
Avec Paul Ardenne – historien et écrivain
Stéphane Chatry – directeur de l’association Artivism Contemporary Art
Frank Perrin – Artiste
Marie-Françoise Verdun – Magistrate honoraire
Pierre Lautier – Avocat spécialisé en droit d’auteur
En savoir plus, ici

1541 : le “Jugement dernier” de Michel-Ange, une oeuvre digne d’un bordel ?

L’Anachronique culturelle | Premier épisode du nouveau podcast natif de Mathilde Serrell, envoyée spéciale dans le passé pour nous faire revivre en direct les grands chocs esthétiques de l’histoire des arts et de la culture comme si nous y étions. Direction la Chapelle Sixtine au XVIe, pour un scandale pictural.

En savoir plus sur le site de France Culture, cliquer ici

L’URBANISME DU XXIe SIÈCLE – CIVILISER LA VILLE, SI POSSIBLE ET SANS ILLUSIONS / ARCHISTORM #92

Pour accéder au PDF, cliquer ici