CLOUZOT, UNE SUITE CONTEMPORAINE – ce soir à 18h @Topographie de l’Art

Commissaire : Paul Ardenne, sur une idée de Ghislaine Gracieux

Avec François Boisrond, Tïa-Calli Borlase, Miguel Chevalier, Nina Childress, Aurélie Dubois, Philippe Dupuy, Orsten Groom, Ange Leccia, Claude Lévêque, Filip Markiewicz, Alexandra Mas, Myriam Mechita, Frank Perrin, Agnès Pezeu

Topographie de l’Art, 15 rue de Thorigny, 75003

Henri-Georges Clouzot, 1907-1977, cinéaste français, auteur mémorable de plusieurs chefs-d’oeuvres du Septième art que tout un chacun a en tête : Le Corbeau (1943), Manon (1949), Quai des Orfèvres (1947), Les Diaboliques (1955), Le Salaire de la peur (1953), La Vérité (1960), La Prisonnière (1968)… Le réalisateur, aussi, du Mystère Picasso (1956), qui reste à ce jour un exemple inégalé de saisie, par l’oculus cinématographique, de la création plasticienne en train de se faire. Pour la première fois dans l’histoire du cinéma, un peintre (et quel peintre : rien moins que le créateur immortel de Guernica) réalise sous les yeux du spectateur plusieurs tableaux, une création dont on a tout loisir de découvrir alors toute la complexité, et les errements, en témoin privilégié.

« Clouzot et les arts plastiques : une suite contemporaine » : cette exposition de travaux émanant d’artistes plasticiens (des dessinateurs et des peintres, des vidéastes et des installationnistes) pourrait résulter d’une hérésie, mélanger deux types d’expression que l’histoire culturelle a plus opposés que réunis : le cinéma, art par excellence du récit et de l’émotion pulsative ; les arts plastiques, apologie, dans leur composante moderne, de la forme libre sans connexion obligatoire avec le réel et offerte le cas échéant à une méditation lente. Pourquoi, alors, cette exposition ?

Henri-Georges Clouzot ne fut pas seulement l’amateur d’art que l’on sait, le cinéaste du Mystère Picasso puis, avec sa seconde femme Inès Bise, un grand collectionneur d’art (la collection Clouzot, riche d’oeuvres majeures du xxe siècle, sera léguée à la mort d’Inès, en 2011, au Secours Catholique, avant d’être dispersée chez Christie’s lors d’une vente mémorable). Encore : son cinéma, en profondeur, est travaillé par les effets plastiques, il s’enrichit volontiers de l’apport, au domaine de la forme libre, des artistes de son temps, Picasso déjà cité mais aussi d’autres artistes dont l’univers vient irriguer ses images cinéma et leur construction. Hitchcock, dans La Maison du docteur Edwards, confia-t-il la conception d’une scène de rêve à Salvador Dali ? Clouzot, dans La Prisonnière, fera du peintre cinétique Gilbert Moreau, incarné à l’écran par Bernard Fresson, un personnage principal et, du milieu des artistes de l’abstraction géométrique, le cadre de ce drame où les ambitions créatrices se marient mal avec la passion amoureuse.

Treize artistes plasticiens, venus d’horizons différents, ont accepté de relever ce défi : donner une « suite » au cinéma d’Henri-Georges Clouzot au moyen de leur propre registre d’expression. Tous entretiennent avec le créateur de L’Enfer (1964 ; un film inachevé mais dont les essais coloristes anticipant le tournage, transfigurant Romy Schneider, sont restés « culte ») une relation étroite, intimiste, profonde toujours. Clouzot, pour eux, se fait inspirateur, maître à penser de la forme ou du propos, générateur de création. Henri-Georges Clouzot et les arts plastiques : une suite contemporaine offre l’occasion d’évoquer, selon une modulation autre que cinématographique, celle des arts plastiques, les grands thèmes chers à Henri-Georges Clouzot : l’amour fatal, l’angoisse, la noirceur morbide, la trahison, la jalousie, la relativité, la folie, la pulsion paranoïaque, le voyeurisme, le mystère enfin, omniprésent chez le cinéaste et dans son oeuvre filmique, hantée par ces question immémoriales : comment advient-on à l’humanité ?, comment se construit-on ?, pourquoi l’autre est-il invariablement un empêcheur de vivre, d’aimer, d’être soi-même ?

S’il tient une place certaine dans l’histoire du cinéma, Clouzot en tient une, également, dans l’histoire de l’art, surtout à compter de L’Enfer et de La Prisonnière, deux films où les arts plastiques sont convoqués. À titre expérimental pour L’Enfer, à travers les recherches formelles que fait Clouzot, qui sont pour certaines fascinantes, en matière d’éclairage des corps humains notamment. À titre historiciste dans La Prisonnière, où l’action se passe dans le milieu de l’art cinétique et dans celui des amateurs et des collectionneurs d’art contemporain.

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Belly Le Ventre sur Esprit Presse

Le lecteur appréciera au fil des pages de ce roman une écriture riche, inventive et rythmée, imagée et savoureuse. Nous le refermons repus et satisfaits, comme consolés du temps qui passe et des petites misères du quotidien. Justement, à l’heure de l’hyper-vitesse, Belly Le Ventre s’offre comme une délicieuse façon de se poser, de prendre le temps de déguster chaque formule et de reprendre du poids par la lecture de ce texte hyper-calorifique. L’auteur nous conte la tentative des « Ventriens » de conquérir le pouvoir absolu sur les autres « Organiques », après avoir mis à mal le règne utopiste et sans saveur des « Unitaires ». Cette aventure, c’est Belly qui nous la raconte. Ce Ventrien pur gras s’adresse à nous, « Mondiens d’hier », afin de nous annoncer la fin prochaine d’une humanité censée fédérer tous les sens, toutes les sensibilités, tous les organes. Dans le monde imaginé par Paul Ardenne, le sens laisse place à l’organe et entreprend de gagner son indépendance vis-à-vis d’un fédéralisme mou et insipide. Dans ce futur, Belly nous fait alors découvrir la luxuriance hyper-protéinée d’une humanité ventrique pour qui seuls comptent le plaisir et la nourriture, que dis-je, l’engouffrement : « Le ventre agit pour être satisfait, point. » Une façon de questionner la phase anale de notre société, où nous passons notre temps et dépensons toute notre énergie à nous regarder, à nous dévorer, à nous repaître de nos instincts les plus vils ? Belly, le Gargantua du xxie siècle ?

Bertrand Naivin

ARTY DANCING IN TEL AVIV

EDIT MYSTIKA HOSTS VIDEO FOREVER 34
*ARTY DANCING*, November 1st, 7:30 pm

EDIT MYSTIKA, DB Studios, HaAmal st 6, 2nd floor, Tel Aviv

With Janet Biggs, Sean Capone, Gilles Delmas, Gary Hill, Ali Kazma, Elena Kovylina, Clare Langan, Melanie Manchot, Erwin Olaf, Arnold Pasquier, Kathi Prosser, Joanna Malinowska, Julien Serve & Lee Yanor

Curated by Barbara Polla and Paul Ardenne

The 34th screening of VIDEO FOREVER on the theme of ARTY DANCING explores this very space of freedom, a space that becomes a playground and a laboratory, a space where thought itself becomes movement. At best, video images embody emotion. They generate and hold the gaze and memory. A gaze that takes its time, a memory that preserves it, a body that returns. Rather than an exploration of dance itself, VIDEO FOREVER ARTY DANCING focuses on how video artists treat the movement, the body in movement. Dance is distinguished from the way one generally comprehends it, most often coming from outside the world of professional dancers and choreographers… It is inside our bodies, even in our slightest movements, nearly invisible, like that of our hands dancing on the keyboard; it is in the dance of dressing in the early morning, of stripping when evening comes and of an erotic dance in the afternoon; it is in our urban displacements, which we hesitate to refer to as choreographed; it is in our rounds, our heft, our attempts at elevation; it is the underpinnings of joy, it is uncertainty, doubt, fantasy, candour. It is an immense imaginary field, a potential for gesture opened up by the paths that cross our inner world. It is a full-bodied laugh.

There is, in video art as in dancing, a possibility of bliss.

The importance of dance in human life is a global one. Considered as a sensitive movement, dance is an expression of the feeling. As an intelligible movement, dance is the expression of the thought. Dance “moves” and dance “thinks”. Even so-called “trance” dances are based on the consideration that dance is mentally structured: one moves one’s body until exhaustion not to reach the state of extreme tiredness but to reach something that goes beyond the body: our belonging to the vast movement of life, our presence in the cosmos.

Dance is one of the oldest means of communication for human beings whether among themselves or with their gods when they believe in gods. Communication is fundamental to dance: dance is a language, a body language, an esthetic language, a symbolic language. This language is a form of power, like all forms of communication: we dance to exist, to show that we exist, to argue that we exist for some specific reason. Salome dances to see the head of a man cut off, the whirling dervish dances to join the favors of God, the go-go dancer dances to raise sexual pressure.

Art has always been interested in dance. Some dances are reproduced in the ancient tombs of ancient Egypt and on the Greek red figures’ vases of the century of Pericles. Power has always been interested in dance as well: the practice of ballet was created to regulate it, to provide rules of decency to trance and sometimes even to ban it. Charleston for example was banned by the papacy at the beginning of the 20th century!

Nowadays, visual artists and especially video artists often evoke dance in their practice. In this 34th VIDEO FOREVER screening *ARTY DANCING *, artists present the body in movement with a particular background which is essential here, each artist unfolding her or his specific strategy. The purpose of showing dance is not only to exalt the movement of the body, to free or to constrain it. *ARTY DANCING * also proposes an essential reflection on the powers of the body and its strategies of existence, between affirmation of self and doubt about identity.

Due to limited seating, please confirm your attendance by e-mailing: samantha.adlerdeoliveira@gmail.com.

Thanks to In Situ Gallery, Magda Danysz Gallery, Lee Yanor, Edit Mystika, the Swiss Embassy & the French Institute of Israël.

Conversation avec Daniel Arsham @Galerie Perrotin

Prisons contemporaines ouvrir l’architecture fermée / BLOCKBUSTER, archiSTORM 87#

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Paul Ardenne dans “Milenio”, Mexico City

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Spaceman

Paul Ardenne en résidence d’écriture au Magasin Général

L’objet de cette résidence en Gaspésie, au Magasin Général, est la rédaction d’un nouveau chapitre de Spaceman (parution La Muette, 2018).

Grand voyageur, nomade perpétuel, arpenteur de la Planète en tous sens, homme-mouvement, Paul Ardenne interroge dans cette étude inédite la relation devenue fréquemment intense entre le corps humain mobile et l’environnement perçu comme espace à traverser.

Ce séjour canadien fait suite à plusieurs séjours-traversées récents (2017) dans divers lieux où les notions d’espace et d’espace parcouru sont notoirement prégnantes, tels la steppe kazakhe, les Andes colombiennes, la surface gelée du Saint-Laurent, les hauts-plateaux mexicains, le grand Ouest nord-américain, les montagnes grecques, les déserts tunisiens et autres mesas hispaniques.

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